Richard Wagner

El 13 de febrero de 1883 muere en Venecia Richard Wagner, nacido en Leipzig el 22 de mayo de 1813. Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical que aunque prácticamente sólo compuso para la escena, su influencia en la música es un hecho incuestionable. Las grandes corrientes musicales surgidas con posterioridad, desde el expresionismo hasta el impresionismo, por continuación o por reacción, encuentran en él su verdadero origen, hasta el punto de que algunos críticos sostienen que toda la música contemporánea nace de la armonía, rica en cromatismos, en disonancias no resueltas, de Tristán e Isolda.

La literatura, además de la música, fue desde el principio su gran pasión, pero el conocimiento de Weber y, sobre todo, el descubrimiento de la Sinfonía núm. 9 de Beethoven lo orientaron definitivamente hacia el cultivo del arte de los sonidos, aunque sin abandonar por ello su vocación literaria, que le permitiría escribir sus propios libretos operísticos.

De formación autodidacta, sus progresos en la composición fueron lentos y difíciles. Hasta el estreno, en 1843, de El holandés errante, no encontró el compositor su voz personal. Tannhäuser y Lohengrin señalaron el camino hacia el drama musical, la renovación de la música escénica que llevó a cabo Wagner, tanto a nivel teórico como práctico, en sus siguientes partituras: El oro del Rin (primera parte de la tetralogía El anillo de los nibelungos) y Tristán e Isolda.

En estas obras su gran aspiración no era otra que la de lograr la «obra de arte total» en la que se sintetizaran todos los lenguajes artísticos.

Sus ideas tuvieron tantos partidarios como detractores. Uno de sus más entusiastas seguidores fue el rey Luis II de Baviera, gracias a cuya ayuda económica el músico pudo construir el Festspielhaus de Bayreuth, un teatro destinado exclusivamente a la representación de sus dramas musicales, cuya complejidad superaba con mucho la capacidad técnica de las salas de ópera convencionales. En 1876 se procedió a su solemne inauguración, con el estreno del ciclo completo de El anillo de los nibelungos. Años antes, en 1870, el compositor había contraído matrimonio con la hija de Franz Liszt, Cosima, con quien había mantenido una tormentosa relación cuando aún estaba casada con el director de orquesta Hans von Bülow. Wagner dedicó los últimos años de su vida a concluir la composición de Parsifal.

Francis Poulenc-Katia y Marielle Labeque

El 7 de enero de 1899 nace en París Francis Poulenc. Tomo algunos datos de su biografía de Filomúsica: Iniciado musicalmente al piano por su propia madre a los 5 años, comienza a recibir lecciones a los 16 del gran pianista español Ricardo Viñes , es sin embargo, en el campo de la composición donde verdaderamente comienza a destacar.

Perteneció al grupo de "Los Seis", donde entra a formar parte en 1920 y cuya consigna fue:"¡Basta de nubes!", de evidente odio y rechazo hacia el Impresionismo en general. Ni juntos ni separados llegaron a hacer escuela, y por eso muy pronto se dispersaron en diversas direcciones.

El verdadero mentor espiritual del grupo fue Erik Satie, a quien todos ellos admiraban por representar un ideal de honestidad intelectual y de fidelidad a unos principios éticos y estéticos además de rechazar todo lo retórico.

En una primera etapa consigue expresar con plenitud su sentido religioso en obras de carácter religioso como, su maravilloso "Stabat Mater" para soprano, coro mixto y orquesta (1950) y el "Gloria" (1959).

En el terreno de la ópera cabe destacar su "Diálogo de carmelitas" (1956) con textos de C. Bernanos y por último "La voz humana" en un solo acto, escrita en 1958 sobre texto de J. Cocteau.

Poulenc fue el representante más despreocupado del París musical de su época tal y como se manifiesta en sus conciertos para piano, para órgano, o para cémbalo (le Concert champêtre) y en otras composiciones sinfónicas y de cámara. Pero sin duda,sus dos grandes obras concertantes fueron el Concierto en re menor para dos pianos y orquesta compuesto en 1932, y el Concierto para órgano, cuerdas y timbales (1938).

 El primero de ellos, el Concierto para dos pianos y orquesta, fue estrenado en el Festival de Música de Venecia el 5 de Septiembre de 1932 ejecutado por el propio compositor y su amigo Jacques Février con la orquesta de la Scala de Milán dirigida por Desiré Defauw. En él podemos apreciar la influencia de dos de sus más admirados compositores: Bach y Mozart. Hemos tenido la oportunidad de escucharlo el pasado trimestre en el Baluarte a las hermanas Katia y Marielle Labeque con la orquesta Sinfónica de Euskadi y Jull Markl en la dirección.

Propongo en esta ocasión escuchar a las hermanas Labeque, nacidas ellas aquí cerca,  en Baiona,. El Concierto está registrado en los Proms de Londres y el Director es Daniel Gatie. El vídeo, que incluye una cortita entrevista a las intérpretes, contiene únicamente la primera parte de “dos”, pero está también la segunda.

Estoy segura de que vais a disfrutar primero porque el Concierto es estupendo y segundo porque las hermanas labortanas lo interpretan muy bien. Disfrutad pues.

Ravel y su Bolero

Un día como hoy, 28 de diciembre, de 1937, fallecía en Paría, a la edad de 62 años Maurice Ravel que había nacido en Ciboure (aquí al lado) el 7 de marzo de 1875, es, junto con Debussy, el gran representante de la moderna escuela musical francesa.

Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).

Si os parece, vamos a rendirle nuestro homenaje precisamente con una de sus imponentes obras orquestales, su  “Bolero”.

1928 fue el año de la consagración para Ravel, quien realizó de enero a abril una gigantesca gira de conciertos por Estados Unidos y Canadá que le valió, en cada ciudad visitada, un inmenso éxito.

De regreso a Francia Ravel comenzó a trabajar en la que se convertiría en su obra más famosa e interpretada. La célebre bailarina y coreógrafa Ida Rubinstein le había encargado en 1927 un «ballet de carácter español» para el cual el músico adoptó una antigua: el bolero. La obra, que apuesta por durar alrededor de un cuarto de hora con sólo dos temas y una cantinela incansablemente repetida, fue estrenada el 22 de noviembre de 1928 frente a un público un tanto asombrado.

 Su inmediato éxito y rápida difusión universal lo convirtieron no solamente en una de las más famosas obras del compositor, sino también en uno de los exponentes de la música del siglo XX Movimiento orquestal, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación modulación y una coda estruendosa.

Pese a que Ravel dijo que consideraba la obra como un simple estudio de orquestación, el Boléro esconde una gran originalidad, y en su versión de concierto ha llegado a ser una de las obras musicales más interpretadas en todo el mundo,

On propongo la versión de 1971 del grandísimo director rumano, ya desaparecido, Sergiu Celibidache, con la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional Danesa.

A disfrutar y no me cabe la menor duda de que vais a disfrutar es impresionante la paulatina transformación de la música y del director…

Tchaikovsky - Patética

El 6 de noviembre de 1893, es decir, hace 123 años fallece en San Petesburgo PIOTR ILICH TCHAIKOVSKY (o Chaikovski, o Chaikovsky) nacido en Votkinsk, el 07/may/1840. Tomo algún dato de su biografía de Música comentada.

Este compositor, ruso por donde se lo mire, tiene un estilo que no puede encasillarse dentro de los márgenes del nacionalismo ruso, sino más bien con ansias de adquirir modismos europeos. Su música, de carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias (entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán, aunque no carente de elementos rusos), es completa y absolutamente expresiva y personal, reveladora de  la personalidad del autor, compleja y atormentada

Una historia entre romántica y extraña, la vivió con la Condesa von Meck, viuda con 12 hijos, que al parecer, en una ocasión asistió a un concierto donde se tocó música de Tchaikovsky y se enamoró de su música.

Ella lo apadrinó, pagándole un salario, para que se dedicara por completo a la composición. Intercambiaron correspondencia  durante 13 años, y él intentó conocerla personalmente, pero la condición de la Condesa, fue no encontrarse jamás. Se cuenta que en una ocasión él creyó ver a la Condesa en un carruaje, que paso cerca de Tchaikovsky.

De esa época datan algunas de sus obras más fantásticas, entre las que sobresalen sus ballets El lago de los cisnes, La cenicienta, La bella durmiente y Cascanueces, sus óperas Evgeny Oneguin y La dama de picas, y las tres últimas de sus seis sinfonías.

Tchaikovski murió en San Petersburgo el 6 de noviembre de 1893, nueve días después del estreno de su Sinfonía núm. 6. Su muerte ha sido atribuida tradicionalmente al cólera, contraído con mayor probabilidad al beber agua contaminada, pero algunos han elaborado teorías en base a un supuesto suicidio. Por los datos que se aportan, parece ser que él bebió agua con un veneno que intencionadamente puso en su vaso él mismo. Pero esta teoría es bastante discutida.

Propongo escuchar pues su Sexta Sinfonía,  subtitulada «Patética», especialmente reveladora de la compleja personalidad del músico y del drama íntimo que rodeó su existencia, atormentada por una homosexualidad reprimida y un constante y mórbido estado depresivo.

La sinfonía tiene cuatro movimientos, recomiendo la audición completa, pero yo os paso en enlace del Cuarto y último movimiento marcado por un “Adagio lamentoso – Andante”. La Existencia y la Nada se baten en un colérico cuerpo a cuerpo que nos impide adivinar quién es quién. Aquí podemos apreciar una de las cadencias más fascinantes de esta sinfonía. Es el último llanto, el final, el silencio y trágicamente, la Muerte. Es la Muerte hecha música que deja helado a quien la escucha.

Disfrutad

Bellini - Norma - Callas

El 3 de noviembre de 1801 nace en Catania (Sicilia) Vincenzo Bellini y vivió tan sólo 34 años. Como muchos, fue un niño prodigio, poseía el don de la melodía pura. Admirado por su amigo Chopin y por Wagner en el siglo XIX, por Stravinski en el siglo XX y, a pesar de los enormes cambios producidos en la estética musical, todavía es admirado por casi todos en el siglo XXI.

Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama. Sus óperas más conocidas son Adelson y Salvini (1824), El pirata (1827), La extranjera (1829), Capuletos y Montescos (1830), que tendremos ocasión de escuchar en enero en el Baluarte a  Maite Beaumont, Sabina Puértolas y José Luis Sola, entre otros,   La sonámbula (1831), Norma (1831) y Los puritanos (1835).

Con tan solo 34 años le sorprendió la muerte en París. Bellini fue enterrado en el Cementerio Pere Lachease, donde permaneció durante más de 40 años, cerca de su amigo Chopin y de Cherubini. En 1876 su cuerpo fue exhumado y trasladado a la catedral de Catania.

 Tal vez su obra maestra sea  Norma, y  ¿cómo no? propongo escuchar la  “Casta Diva” en la versión histórica e imponente de María Callas. Hay más versiones  por la red: no os perdáis la de Joan Sutherland o  Montserrat Caballé, A Anna Netrebko, Renné Fleming… y un largo etc…. Y como siempre, a disfrutar

Escenas del Bosque - Schumann

Escenas del Bosque op. 82 R. Schumann

Compuestas por Robert Schumann entre 1848 y 1849, es una deliciosa obra para piano  formada por nueve números con los siguientes títulos: 

1. Eintreu  (Introducción).

2. Jäger auf der Lauer  ( Cazador al acecho).

3. Einsame Blumen  ( Flores solitarias).

4. Verrufene Stelle  ( Lugar maldito). 

5. Freundliche Landschaft  ( Paisaje agradable).

6. Herberge  ( Posada en el camino ).

7. Vogel als Prophet   ( El pájaro profeta ).

8. Jaglied ( Canción de caza ).

9. Abschied  (Despedida).

               La imaginación de Schumann está aquí estimulada nuevamente por imágenes sencillas y poéticas. Los títulos, que aluden al bosque y a la caza, llevaban en su origen una cita literaria, pero para su publicación el compositor decidió quitarla. Y aunque las citas andan por la red si Schumann decidió quitarlas, no seré yo quien las ponga.

En cualquier caso nadie mejor que Juan Goñi​, mi ahijado y sobrino,  para describir el bosque y he pensado que, si le apetece, y si las escenas le evocan algo… allá él.  La obra es programática, pero según Schumann, “no pretende denotar un bosque conocido por el compositor, sino los múltiples estados del alma en el marco de un bosque fantástico, macabro y misterioso”. 

He elegido la versión del gran pianista Arcadi Volodos porque ayer se las escuché en un  concierto desde Viena. El enlace contiene el concierto completo, totalmete recomendable escucharlo completo…. Las Escenas del Bosque están entre los minutos 38:35 y 56 y pico. Especial atención, Juan Goñi a la  número 7, Vogel als Prophet (El Pájaro Profeta).

A disftutar

Maxim Vengerov

 El 15 de agosto de  1974, a una con las Fiestas de Tafalla, nace en Novosibirsk, Siberia, el violinista ruso MAXIM VENGEROV.

Retirado durante algún tiempo de los escenarios por diversas razones, en 2012 volvió y muchos lo celebramos. Trascribo parte de un artículo de Jesús Ruiz Mantilla aparecido con tan fausto motivo en El País:

“Entre las buenas noticias de este apocalíptico y repugnante 2012 podemos rescatar una: Maxim Vengerov ha vuelto. En estos momentos de escasa fe era necesario ser testigo. Y el domingo pasado, en el Auditorio Nacional, quienes estuvimos dentro del ciclo Juventudes Musicales, lo certificamos. Allí apareció el gran Maxim, con su Stradivarius en la mano y al cuello de regreso a la fantasía compartida con que su música nos vuelve a contagiar….

 De Siberia (Novosibirsk, 1974), donde sus primeros maestros y su padre oboísta certificaron el prodigio de un niño que interpretaba a Schubert con seis años, se mudó pronto a aprender las leyes de la perfección en cuerda a manos de grandes  profesores aunque él siempre ha reconocido que su principal guía espiritual ha sido Rostropovich.

Ganando concursos y asombrando a los grandes directores, orquestas y auditorios del mundo, Vengerov era el más rápido, el más virtuoso, el más voraz. Su energía daba para eso y más. Para el arte y el altruismo como primer músico embajador de Unicef, entre Sarajevo y Uganda, pero también para embarcarse en conciertos de rock o pop fascinado por uno de sus grandes referentes, Michael Jackson, así como para montar un espectáculo con otra de sus grandes pasiones: el tango.

¿Qué nos encontramos a su vuelta? A un Vengerov en plena forma. A un Vengerov riguroso, serio e irónico a la vez … En todo momento mostró un dominio de las tonalidades y los estilos magistral, una riquísima expresividad, honda pero nunca afectada ni atormentada, una presencia y una energía contagiosas. Ganas de perdurar y asentarse con fuerza renovada fue lo que saltaba de sus cuerdas tras la sorprendente retirada, a lo José Tomás, de los ruedos. Ha sido para bien, para mejor y así lo pudimos certificar. Que dure”. Pues. Sí, la mejor manera de celebrarlo es escuchándole tocar. He elegido “La Meditación” de “Thais” de Jules Massenet.

Felicidades Maxim, disfrutemos…